Xavier Mañosa

Para describir a Xavi Mañosa se podría empezar mencionando el pequeño aparador con ruedas que tiene en el salón de su casa. A primera vista es un curioso mueble vintage de estética japonesa, hasta que uno empuja la puerta y descubre que esconde un minibar espejado en su interior. También podríamos fijarnos en las piezas de plástico que cuelgan junto a la ventana que da al balcón, en apariencia modernos objetos decorativos, que resultan ser un minigolf desmontable. O en la sencilla camiseta de algodón blanco que lleva el primer día de la entrevista, que según nos cuenta Xavi es un diseño firmado por el estudio berlinés Mashallah, hecho de una sola pieza y basado en un patrón digital único. En todos los casos se manifiesta una tendencia hacia los objetos que no revelan su significado de inmediato, una característica recurrente en las piezas cerámicas que produce bajo el alias de Apparatu.

Sentados en la sombra del pequeño bar que hay enfrente del taller de la familia Mañosa (un nombre francamente apropiado tratándose de artesanos), rodeados de casetas de anticuarios y pilas de muebles usados, Xavi nos cuenta los entresijos de su trayectoria como ceramista, que incluye colaboraciones con marcas como Nike, Alessi, Vitra o Camper; exposiciones en Nueva York, Tokio, Londres o Milan y talleres impartidos en museos, centros de arte y universidades en todo el mundo.
Las piezas que salen del taller familiar en Sant Cugat superan el hecho de ser visualmente estimulantes, conformando una reflexión sobre la profesión en sí y la tradición ceramista que Xavi heredó de su padre. Sin embargo, el afán por cuestionar y reinventar constantemente su trabajo viene acompañado de una gran dosis de ligereza. Ante un análisis conceptual de su obra, Xavi se limita a sacudir la cabeza y a asegurar que sus proyectos surgen de forma natural, sin concepto previo, guiados únicamente por su intuición.

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Viniendo de una familia de ceramistas, qué relación tenías con la cerámica durante tu infancia?
Cada día después del colegio tenía que venir al taller, porque mis padres no se fiaban de lo que podía hacer en casa. Los fines de semana, Navidad, verano, siempre los pasaba en el taller. Básicamente, odiaba la cerámica. No tenía la sensación de que fuera algo especial.

Cuál es la historia detrás del negocio familiar? Por qué decidieron dedicarse a la artesanía?
Mi padre fue el que empezó con la cerámica. A los 17 años conoció a un ceramista portugués, el señor Boni. Yo lo recuerdo porque venía a visitarnos al taller y siempre llevaba un sombrero ladeado. Aún después de 60 años en España, el señor Boni solo hablaba portugués, así que mi padre aprendió a hacer cerámica así, sin palabras. Su hermano era escultor y lo consideraban el alma artística de la familia, pero mi padre era más espartano, simplemente se puso a hacer cosas porque le gustaba la cerámica, sin pensárselo demasiado. Cuando conoció a mi madre, los tres decidieron montar una empresa y empezaron a hacer todo tipo de piezas, desde jarrones hasta figuritas. Cuando mi tío decidió irse, mis padres se mudaron con el taller de Cerdanyola a Sant Cugat, y allí nací yo.

Cómo se desarrolló tu trayectoria laboral hasta llegar al punto en el que estás hoy?
Al acabar el colegio me puse a estudiar Diseño Industrial en la escuela Llotja de Barcelona. Aunque durante esa época ya ayudaba a mis padres a hacer algunos trabajos en el taller, la cerámica seguía sin importarme demasiado.
Cuando acabé los estudios me mudé a Berlín con mi novia de entonces, y cuando a los seis meses ella me dejó por un compositor alemán, decidí quedarme por mi cuenta. Vivía en un “Hausprojekt” en Kreuzberg, donde monté un pequeño taller de cerámica para ganar algo de dinero. Producía pequeñas piezas y las vendía en el mercadillo de Boxhagener Platz, pero paralelamente seguía buscando trabajo. Lo encontré en una pequeña tienda de objetos espirituales donde vendían inciensos, hamacas, budas etc. Un día llegó una clienta que sacó un péndulo y empezó a caminar por toda la tienda. El péndulo se puso a oscilar delante de un Buda gigante, así que la mujer lo compró y se lo hizo llevar a casa. Lo que me dejó perplejo fue que el péndulo reaccionara ante aquel trozo de cemento, sacado de un molde y hecho sin ningún tipo de amor.

Y ese fue el momento en que decidiste dedicarte a la cerámica artesanal?
Exacto (risas). No, lo que pasó fue que mis padres me pidieron que hiciera algunas piezas para una feria, así que viajé a Barcelona para hacerlas, porque el taller que tenía en Berlín era muy primitivo. Allí pasó algo, y a la vuelta decidí seguir haciendo cerámica. Cuando ya tenía seis, siete piezas, un amigo me habló de una exposición que se montaba en Londres. Mandé unas fotografías y me aceptaron. Entre las piezas había un cono de cerámica, un jarrón- pizarra en tres dimensiones, una bomba acuática… Eran experimentos, objetos ready-made, pequeñas bromas.

Cómo surgió la idea de montar Apparatu? De dónde viene el nombre?
Con ocasión de la exposición decidí montar una web. Como no quería que llevara mi nombre, le puse Apparatu, del Alemán “Apparat” y del Catalán “Aparatu” El nombre es una simbiosis entre el catalán mal escrito y el alemán mal hablado. Así nació Apparatu, del afán de organizar mis proyectos y montar una web, de crear un espacio fijo permanente para mis objetos. Paralelamente iban creciendo las ganas de hacer cosas y de hacerlas con cerámica, así que empecé a viajar a Barcelona regularmente para usar el taller. Llegó un punto en el que pasaba más tiempo allí que en Berlín, así que decidí volver definitivamente. Cuando tomé esa decisión, me di cuenta de que realmente era ceramista. Iba al taller cada día, y en vez de hacerlo como obligación, lo hacía porque me gustaba.

Cómo reaccionaron tus padres ante tu decisión de dedicarte al negocio familiar?
Creo que todo el mundo sabía que me iba a dedicar a la cerámica menos yo. Esa opción siempre estaba allí. A mi me parece increíble cuando conozco a gente que decide hacer cerámica sin tener los referentes que tengo yo, sin tener la familia detrás. Pienso: a ti sí que te debe gustar la cerámica de verdad. Siempre quedará la duda de si uno lo hace por comodidad. Te vas acercando y de repente un día te encuentrás allí.

Hay algún ceramista que te haya influenciado especialmente?
Creo que el hecho de que me dedique a la cerámica se lo debo en parte a Hella Jongerius. Al llegar a Berlín la descubrí, vi su web, y me di cuenta de que hacer cerámica podía ser algo interesante, la veía con su equipo en el taller y parecía divertirse. Vi algo allí que realmente me tocó. Ella me inspiró muchísimo.

Conceptualmente, muchas de tus primeras piezas está relacionadas con fenómenos de la cultura contemporánea– como por ejemplo el Nike Hoodie Totem o los proyectos Skate Fails y Manga, que surgieron en colaboración con el diseñador e ilustrador Alex Truchut. Cómo llegas a estos temas?
Me encuentro con estos temas en mi día a día, surgen de observaciones de lo cotidiano. Mis primeros objetos, entre ellos los objetos readymade, tenían un punto naif. Simplemente me apetecía hacer esas cosas, sin demasiado reflexión detrás. Una de mis primeras colaboraciones con Alex Truchut fue Manga – un homenaje a la chaqueta más fea del mundo. La idea se me ocurrió un día viajando en el metro. Delante mío iba sentado un hombre que llevaba una de esas poofy jackets y pensé “dios mío, que fea”. Sin embargo, todo el vagón las llevaba, así que decidí que merecían un homenaje.
Los Skate Fails son un proyecto que hicimos para la empresa FTC de San Francisco. La idea surge del intento de traducir el skateboard al reloj líquido de Dalí. Alex y yo empezamos a experimentar con diferentes líquidos como la miel o la pintura plástica, observando cómo goteaban y caían. Aplicamos estos ejercicios a la tabla de cerámica, fundiéndola y viendo cómo se quemada y se arrugaba. De allí salió una colección de tablas derretidas.

Me llama la atención que tus trabajos con Truchut tengan una estética muy llamativa y parezcan ceñirse más a su premisa “more is more”, mientras las piezas que has estado desarrollando en solitario son más teóricas, más sutiles. A qué se debe este cambio de dirección?
Creo que llegó un punto en el que me di cuenta de que las piezas que estaba haciendo, la Puffy Jacket y según qué otras piezas, pertenecían más al mundo de la porcelana, aunque estaban hechas con faenza, un tipo de barro que no tiene las cualidades de la porcelana.
Los proyectos actuales surgen de intentar entender la realidad de nuestro taller, que es un taller maditerráneo, con toda la cultura de la cerámica y de la artesanía del sur de Europa, donde se trabaja con cerámica de baja temperatura. Me di cuenta de que estaba forzando al taller a hacer cosas que no eran adecuadas. Me esforcé por entender el proceso y los materiales que estábamos usando, y sobre todo por entender y respetar a mi padre como herramienta principal del taller, como artesano y como la persona que más sabe de cerámica. Le había estado obligando a trabajar con moldes que quizás eran demasiado filigranos para las cosas que podíamos hacer. Intentábamos hacerlas, nos esfrozábamos, pero nos saltábamos muchos pasos en el proceso. Ahora sé que primero hay que entender qué se puede llegar a hacer aquí, explotarlo y hacerlo bien, pero con naturalidad.

Proyectos como 30 – una serie de jarrones de cerámica con errores incorporados – o LESSON – 36 vasijas creadas durante una clase de torno en la que intentas replicar un original hecho por tu padre – tienen que ver directamente con este afán de analizar y desentrañar el proceso de creación en cerámica?
Sí, de hecho el primer proyecto de este tipo fue MOLD. Pensando surgió la idea de cuestionar el hecho de que los moldes sigan teniendo tan mala fama en la artesanía. Por qué un jarrón tiene un valor añadido cuando está hecho con torno y cuando es de molde pierde todo su valor? Hay un parte coherente y lógica en ello, pero al mismo tiempo, un molde puede ser tan válido como un jarrón hecho a mano. Al fin y al cabo, el torno es un proceso industrial en artesanía, sirve para acelerar el proceso de creación de una pieza. Normalmente, un molde tiene una esperanza de vida de entre 70 y 80 usos. Partiendo de esta base decidí hacer un molde y utilizarlo hasta que no diera más de sí. Entre la primera y la última copia se producen cambios, el molde se va gastando, con lo cual la pieza se va agrandando. Partes del molde dejan de chupar agua, así que a la pieza final puede llegar a faltarle un trozo. Nosotros no intervenimos, simplemente llenamos el molde, lo sacamos y numeramos cada jarrón. Se trata de subrayar que cada pieza es individual, ese es nuestro trabajo principal.

Qué te inspira a la hora de crear nuevas piezas?
La inspiración viene del taller, de acercarme a lo que significa producir artesanalmente, a lo que es hacer jarrones, a lo que es seriar las cosas. Qué quiere decir seriar? Siempre había pensado que hacer colecciones seriadas era un poco absurdo, que era como decir “hago 50 pero podría hacer 5000″. Pero luego me di cuenta de que estar haciendo un jarrón y saber que iba a seguir produciéndolo para siempre era una idea un poco rara. A nivel de artesanía el sentido de limitar la producción lo encuentro en el hecho de que producir algo indefinidamente me produce una sensación de vértigo. Cuando un proyecto está hecho, llega un punto en que ya no te interesa tanto. Y cuando le pierdes el cariño a la pieza, empiezan a pasar cosas a nivel de artesanía.

Háblame de la importancia del color en tus obras. Cómo encaras este tema?
Soy daltónico. No absoluto, pero veo mal los azules y los verdes, me pierdo con los tonos. No tengo una base importante sobre la teoría del color. Ahora mismo lo hago todo con el color natural del material. Si el barro es rojo, la pieza es roja, si el barro es blanco, es blanca. Tiendo a esmaltar con transparentes. Lo que me está pasando es que estoy yendo hacia la base de todo, hacia atrás. Todo es más primario, más básico. Quiero volver a empezar desde abajo para ir avanzando, ir creciendo.
El gris de la lámpara Pleat Box es el único esmalte que he desarrollado. En el mundo de la cerámica, cada ceramista tiene sus propios colores, su azul, su blanco. Yo tengo mi dirty grey, un esmalte que surgió de un ataque de sensibilidad por el medio ambiente.
Los esmaltes son metales pesados y muy contaminantes, así que hace tiempo decidí desarrollar un sistema de filtración del agua compuesto por unos bidones que salían del desagüe. Un día me fijé en esos bidones llenos de los restos de los esmaltes y se me ocurrió usarlos para crear un nuevo esmalte. Salió un gris que se parecía al cemento. Este nuevo gris o “dirty grey” era esmalte reciclado de la sobras del taller. Lo que hacíamos era ir al depósito y esmaltar con ese nuevo color. Según con qué habímos trabajado durante el último mes, el resultado final variaba, el gris podía ser más verdoso o más azulado. A mi me gustaba ese punto “random”. Este tipo de detalles a nivel industrial serían un error, pero a nivel artesanal logran que una pieza sea realmente única, que no haya otra igual. Es como una peca.

Me imagino que la casa de un ceramista debe estar llena de jarrones y objetos artesanales. Es así? Te gusta convivir con tus piezas?
Tengo una vajilla que hizo mi padre y algunas lámparas, aunque generalmente no me gusta rodearme de mis cosas. Pero al mudarme con mi actual compañero de piso, me reencontré con todas las piezas que le había ido regalando. Así que ahora mi casa está llena de mis cosas.
El hecho de trabajar en un entorno de anticuarios y cruzarte cada día con pilas y pilas de objetos viejos y antiguos te influye de algún modo?
Lo que más me impacta es salir del taller y econtrarme la vida de alguien dejada caer aquí mismo. De repente veo alguna cosa bizarra, muchas cerámicas antiguas. Alguna vez incluso me he encontrado con una pieza que habían hecho mis propios padres hace 30 años!

Cuéntanos cuál es tu rutina diaria.
Me levanto a las siete de la mañana, me tomo un café, cojo el metro y el tren. El trayecto lo paso leyendo o durmiendo. Llego al taller a las nueve y trabajo hasta las dos. Voy a comer a casa de mis padres y hago una siesta, y sobre las cuatro vuelvo al taller. En invierno los días se alargan mucho, no salgo hasta las ocho o las nueve, pero en verano salgo antes. Cuando llego a casa, suelo ponerme a trabajar en el ordenador, contestando mails o diseñando. Este es un punto a discutir con mis padres. Trabajar con el ordenador se percibe como una pérdida de tiempo, ya que el taller es un pulmón, una máquina que requiere actividad y dedicación constantes. La parte de proyectar es una parte muy importante del trabajo y hasta ahora quedaba relegada a mi tiempo libre, como si fuera un hobby. Antes llegaba a casa a las ocho y seguía trabajando, me acostaba a las doce. Ahora estoy encontrando un nuevo ritmo: por las mañanas se hace taller y por las tardes se escriben mails.

Cómo has vivido la experiencia, generalmente nada fácil, de trabajar con tu familia?
Uno nunca deja de ser el niño pequeño, el hijo. Lo importante es entender esta dinámica, ser emocionalmente inteligente y encontrar tu propio papel dentro del entramado familiar y laboral. Una cosa muy importante es cómo siendo el hijo del jefe uno entra y se crea su propio espacio. A mi me lo han puesto fácil, mis padres son increíblemente abiertos y nada autoritarios. Siempre me han dado carta blanca para hacer lo que quisiera, para experimentar. Eso sí, un día me dijeron: “Puedes intentar hacer algo que se venda?”.

Y en qué medida tu presencia ha impactado el estilo y la manera de funcionar del taller?
Al comienzo de su trayectoria, mis padres no tenían una base importante ni en la técnica ni en el concepto de las piezas, simplemente se dejaban guiar por las tendencias en el mercado de la artesanía. Lo que creo que mi implicación les ha hecho ver, y lo que también hemos entendido juntos, es la importancia de ser una empresa coherente, de producir piezas que tengan una relación, un hilo conductor. Desde el proceso al material al concepto. Al final, como empresa hay que ser muy honesta, explicarse, decir por qué uno hace las cosas, tener un espíritu de investigación. Eso es lo que hace que una empresa sea equilibrada y racional y acabe encontrando su lugar dentro del mercado.

Cuál es tu visión para el futuro de Apparatu?
Por un lado, quiero intentar hacer productos cercanos, sencillos, hechos a mano, productos de uso, piezas bien hechas, funcionales. Por otro, quiero que podamos vender. La idea básica del intercambio, que solía rechazar, ahora me interesa. La idea de trabajar orientándose en vender el producto. Quiero estar abierto a todo lo que pueda venir, o dejar de venir.

Gracias, Xavi!

Entrevista: Julia Keller
Fotografía: Coke Bartrina